Rolling Stone: los 10 discos más importantes de Pop & Rock -

La lista de Rolling Stone de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos se publicó originalmente en 2003, con una ligera actualización en 2012. A lo largo de los años, ha sido el artículo más leído y discutido en la historia de la revista Rolling Stone. Pero ninguna lista de discos es definitiva: los gustos cambian, surgen nuevos géneros, la historia de la música se sigue reescribiendo. Así que decidieron rehacer su lista de mejores discos desde cero. Para hacerlo, recibieron y tabularon listas de los 50 mejores discos de más de 300 artistas, productores, críticos y figuras de la industria musical. El electorado incluye a Beyoncé, Taylor Swift y Billie Eilish; artistas emergentes como H.E.R., Tierra Whack y Lindsey Jordan de Snail Mail; así como músicos veteranos, como Adam Clayton y Edge de U2, Raekwon del Wu-Tang Clan, Gene Simmons y Stevie Nicks.

A continuación presentamos la lista de los 10 mejores discos de todos los tiempos, según la revista Rolling Stone:

10 – Lauryn Hill, ‘The Miseducation of Lauryn Hill’ (1998)

Aunque ya era una estrella como co-líder de los Fugees, con Wyclef Jean, Lauryn Hill estaba ansiosa por expresar su propia visión. Ella tomó el control del proceso de grabación, escribiendo, produciendo, arreglando y dirigiendo sesiones que incluían a colaboradores como el pianista John Legend, y el pionero de R&B D’Angelo. Cada canción fue impulsada por una claridad de visión y honestidad personal que se sintió reveladora.

9 – Bob Dylan, ‘Blood on the Tracks’ (1975)

Bob Dylan escribió todas estas canciones de folk-pop, líricamente penetrantes y majestuosas, en dos meses, a mediados de 1974. Estaba tan orgulloso de ellos que audicionó en privado casi todo el álbum, de principio a fin, para amigos y compañeros, incluyendo a Mike Bloomfield, David Crosby y Graham Nash, antes de grabarlos en septiembre, en solo una semana, con miembros de la banda de bluegrass, Deliverance.

8 – Prince and the Revolution, ‘Purple Rain’ (1984)

Prince todavía era una estrella en ascenso con solo un par de éxitos cuando tuvo la audaz idea de hacer una película basada en su vida y hacer de su próximo LP la banda sonora de la película. Cuando se lanzó en 1984, se convirtió en el primer artista en tener la canción, el álbum y la película número uno en América del Norte.

«Purple Rain» fue un testimonio del sueño de Prince de crear un Top 40 utópico, un lugar donde el funk, la psicodelia, la trituración del heavy metal, las grandes baladas y el atrevido experimentalismo pudieran coexistir.

7 – Fleetwood Mac, ‘Rumours’ (1977)

Con Rumours, Fleetwood Mac convirtió la confusión privada en un arte público melódico y reluciente. Las dos parejas de la banda: el bajista John McVie y la cantante y tecladista Christine McVie, que estaban casados; el guitarrista Lindsey Buckingham y la vocalista Stevie Nicks, quienes no lo estaban, rompieron durante las prolongadas sesiones del álbum. Esta vibra frenética y decadente le dio un aura confesional altamente cargada a todas las canciones del disco.

6 – Nirvana, ‘Nevermind’ (1991)

Una historia de éxito de la noche a la mañana de la década de 1990, el segundo álbum de Nirvana y su primer sencillo totémico, «Smells Like Teen Spirit», surgieron del underground del noroeste, la naciente escena grunge en Seattle, para sacar a Dangerous de Michael Jackson de la cima de las listas de Billboard y sacar el Heavy Metal del mapa. Pocos discos han tenido un impacto tan abrumador en una generación, una nación de adolescentes que de repente se volvió punk, y un efecto tan catastrófico en su principal creador. El peso del éxito llevó al ya atribulado cantante y guitarrista Kurt Cobain a quitarse la vida en 1994.

5 – The Beatles, ‘Abbey Road’ (1969)

“Fue un disco muy feliz”, dijo el productor George Martin, describiendo este álbum en The Beatles Anthology. “Supongo que fue feliz porque todos pensaron que iba a ser el último”. De hecho, Abbey Road, grabada en dos meses durante el verano de 1969, casi no se hizo. Ese enero, los Beatles estaban al borde de una ruptura, agotados y enojados entre sí después de las desastrosas sesiones del abortado Get Back, luego rescatado como Let It Be. Sin embargo, decididos a salir con la misma gloria con la que habían fascinado al mundo por primera vez a principios de la década, el grupo volvió a reunirse en los estudios Abbey Road de EMI para hacer su álbum más refinado: una colección de magníficas canciones cortadas con una atención a los detalles refinados, luego seguidas juntas (especialmente en la cara dos) con fuerza conceptual.

4 – Stevie Wonder, ‘Songs in the Key of Life’ (1976)

El dominio del álbum en muchos estilos sigue siendo asombroso, pero la hazaña podría no haber significado tanto si Wonder no hubiera entregado también parte de su arte político más apasionado, como el autobiográfico «I Wish», la eliminación de la complacencia adinerada «Village Ghetto Land» y, quizás lo más conmovedor, «Black Man», en el que recorre una lista funky de aspiraciones y héroes afro-diaspóricos globales. Songs in the Key of Life unió todo esto, en la visión interior que todo lo que Stevie Wonder abarca.

3 – Joni Mitchell, ‘Blue’ (1971)

Desde su versión humeante e introspectiva hasta su enfoque totalmente descuidado de la composición de canciones, Blue es la primera vez que un artista importante de rock o pop se abre tan completamente, produciendo lo que podría ser el álbum de ruptura definitivo y estableciendo un estándar aún inigualable para la poesía confesional en la música pop. Usando instrumentos acústicos y su voz de salto de octava, Mitchell se retrató a sí misma como una pintora solitaria, ansiosa por encontrarle sentido a toda su angustia. Junto a su romántica melancolía, Blue era el sonido de una mujer que se valía de la libertad romántica y sexual que era, hasta entonces, una provincia exclusivamente masculina en el rock.

2 – The Beach Boys, ‘Pet Sounds’ (1966)

Brian Wilson hizo Pet Sounds sin el resto de la banda, usándolos sólo para dar más cuerpo a los arreglos vocales. Incluso consideró sacar el álbum como un proyecto en solitario, y el primer sencillo, «Caroline, No», fue lanzado bajo su propio nombre. La naturaleza personal de las canciones, que Wilson coescribió principalmente con el letrista Tony Asher, distinguió aún más el álbum de los éxitos anteriores de los Beach Boys.

1 – Marvin Gaye, ‘What’s Going On’ (1971)

La obra maestra de Marvin Gaye comenzó como reacción a la brutalidad policial. En mayo de 1969, Renaldo “Obie” Benson, el cantante de bajo de Four Tops, vio la cobertura televisiva de cientos de policías armados con palos rompiendo el People’s Park, un centro de protestas en Berkeley. Horrorizado por la violencia, Benson comenzó a escribir una canción con el letrista de Motown Al Cleveland, tratando de capturar la confusión y el dolor de la época. Sabía que tenía algo grande en su versión naciente de «What’s Going On», pero el resto de Four Tops no estaba interesado, y los esfuerzos de Benson para lograr que Joan Baez lo grabara tampoco funcionaron.

El fundador de Motown Records, Berry Gordy, inicialmente se resistió a publicar «What’s Going On» y le dijo a Gaye que pensaba que el scat estaba desactualizado y que las letras de las protestas eran demasiado riesgosas desde el punto de vista comercial. Pero cuando la canción se convirtió en un éxito instantáneo, Gordy le dio a Gaye un solo mes para crear un álbum que acompañara a «What’s Going On». Gaye estuvo más que a la altura del desafío. «Trabajo mejor bajo presión y cuando estoy deprimido», le dijo a Detroit Free Press en ese momento. “El mundo nunca ha sido tan deprimente como lo es ahora. Estamos matando al planeta, matando a nuestros jóvenes en las calles y yendo a la guerra en todo el mundo. Los derechos humanos… ése es el tema «.