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Arte

Shibari ¿Una nueva o antigua tendencia?

Shibari demuestra la sutileza del arte en cada rincón

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Catherine Buono

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Shibari ¿Una nueva o antigua tendencia?

En los últimos años, las novelas eróticas han tenido un auge, gracias a ellas las fantasías sexuales han sobrepasado los límites. Muchos han quedado encantados y otros un poco decepcionados. Pero finalmente hablamos de sexo y como muchas en cosas, aquí también hay arte. Por ende, no se puede ignorar una práctica tan antigua como lo es el Shibari que comprueba por completo el arte del erotismo.

Ha sido bien aceptada como arte y medio de exploración sexual en diferentes lugares como gran parte de Europa y Latinoamérica. ¿Cómo empezó todo esto?

Posiblemente con una confusión entre un término un poco más conocido: el Bondage y BDSM. ¡Ojo! Una práctica difiere de otra, pero he aquí la razón por la que se han hecho virales cientos de fotografías en las que se exponen los distintos nudos dentro de la práctica. Con ello viene una serie de preguntas que hasta nosotros mismos en su momento nos preguntamos: ¿Qué es? ¿Cómo se hace? ¿Cariño, quieres experimentar?

¿Por qué no?

La vida está hecha para experimentar, pero no cabe duda que hay que informarse antes y más con una práctica como esta que no se aprende en dos días con un tutorial en YouTube. Tampoco es para tomarse muy literal el aprendizaje, pero sí requiere dedicación y mucho amor al arte.

Empecemos con su historia, el Shibari no solía tener la misma connotación que tiene actualmente, no era conocido en sí como una práctica artística. De hecho, sus fines eran la inmovilización, se entendía como una práctica sutil de tortura, descrita actualmente como una forma artística de esclavitud con cuerdas.

Con estas ataduras se buscaba apresar a los prisioneros de manera que exhibieran algunas de sus áreas más ocultas o aquellas que le produjeran vergüenza. Dentro de las prácticas del Shibari, sigue estando presente a modo juego en el que se exploran las sensaciones al entregarse por completo al nawashi.

Sin embargo, otro de los puntos importantes de la historia del Shibari es el honor que representaba cada samurái al realizar las ataduras, puesto que solo ellos se encargaban de la tarea. Procuraban mediante las ataduras mostrar el honor de los prisioneros y su estado de captura. Tanto así, que cada familia samurái tenía técnicas específicas y dependiendo de la usada hasta se lograba conocer la edad o clase social del prisionero.

En un punto, el Shibari pasó de los prisioneros a un acto considerado artístico y erótico. Posiblemente al sumergirse en las aguas del pintor Itoh Seiyu con sus ilustraciones eróticas y fotografías.

Actualmente supone una forma de arte; en Japón llega al nivel de lo pornográfico y en varios lugares como Europa y Latinoamérica se entiende como una práctica libre tanto artística como sexual aproximándose al Bondage.

¿Cuál es la diferencia entre Bondage y Shibari?

Para resumirlo, les daré un simple ejemplo como lo es la literatura erótica, eso efectivamente incluye la tan conocida saga de 50 sombras de Grey. El objetivo del Bondage es causar tanto dolor como placer con un fin enteramente sexual.

A diferencia del Bondage, el Shibari sigue ciertos estándares estéticos y técnicos, en busca del placer y la liberación al punto de parecer una técnica de acupuntura. Su intención es concentrar la energía sexual en ciertos lugares, específicamente en las zonas erógenas.

Muchos creen en esta técnica como algo que logra en su medida conectar con un plano espiritual. “Es el camino y el destino”, las cuerdas con sus roces son las guías que van trazando el camino por el cuerpo en busca de sensaciones que de cierto modo logran ir más allá de lo sexual.

Encontrarse a merced de alguien es uno de los términos principales del Shibari, ¿estarías dispuesto?

Entre el atado (jujun) y el atador (nawashi) tiene que existir una conexión que fluya como la cuerda y sus roces. Entre ambos debe tenderse un hilo de conversación, en donde el cuerpo es el principal emisor; es por ello que se entiende como arte.

El arte dentro del Shibari va atado al placer que sobrepasa lo sexual, convirtiéndolo en algo liberal. Además de ello, el nawashi se considera un artista que reafirma la belleza del cuerpo con las cuerdas, muchas veces de manera asimétrica. Si bien sabemos, las ataduras no son simples, exigen destreza e imaginación.

Shibari ¿Una nueva o antigua tendencia?

Tetiana Cherevan

La práctica del Shibari ha abarcado casi todas las áreas del arte, desde el diseño de moda Net-a-Porter, hasta fotógrafos y cantantes como Lady Gaga. Ha colmado museos como el Louvre, ha estado presente en series, películas, pinturas y demás. ¿Es o no una tendencia en el mundo?

No se puede negar la curiosidad que ha impactado en el mundo entero y su influencia en muchas generaciones. Definitivamente en el arte contemporáneo está abarcando un gran espacio. Sobre todo deja claro que sin importar los años, una práctica antigua puede volverse tendencia.

Finalmente podemos concluir que esta práctica antigua se volvió una tendencia en nuestra actualidad; el Shibari está en constante evolución y por lo visto tendremos mucho más que contar y conocer de esta práctica tan viral.

No obstante se deben tener en cuenta varias precauciones si se desea llevar a cabo. Primero que nada la comunicación y conexión entre el atado y el atador es fundamental, deben existir algunas condiciones mutuas. Por otra parte hay que tener en cuenta sus riesgos, no todos pueden hacer estas ataduras, en caso de mala praxis puede haber lesiones, moretones, desmayos y demás. Por último, los materiales a usar siempre deben ser 100% naturales.

No olviden darnos su opinión en nuestras redes. ¿Lo experimentarían?

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Arte

Fausto Amundarain, Corina Höher, Paul Amundarain y Grip Face presentes en PINTA MIAMI 2019

Cerquone Projects estará en la Sección Principal

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Sergio Sosa

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Pinta Miami 2019

La galería venezolana de arte contemporáneo Cerquone Projects, estará presente en la feria de arte PINTA MIAMI 2019, que se realizará del 4 al 8 de diciembre en Mana Wynwood, donde se reunirán en la Sección Principal alrededor de 60 galerías de Latinoamérica, Estados Unidos y Europa, que presentarán  obras de más de 300 artistas.

Cerquone Projects estará en la Sección Principal en el Booth A2 con obras de los artistas venezolanos Fausto Amundarain, Corina Höher y Paul Amundarain, y del español Grip Face.

Cerquone Projects

Fausto Amundarain (Caracas 1992) posee estudios en Diseño en la ciudad de Caracas y de Serigrafía y pintura en Nueva York, así como también un Diplomado de Arte Contemporáneo de la Universidad Metropolitana de Caracas. Su propuesta artística parte de la investigación de su identidad reflejada en los iconos infantiles a través del comic, el interés por la ciudad y paso del tiempo en los elementos de reconocimiento de la cultura y consumo de masas, así como de su necesidad en la investigación por movimientos artísticos como el pop art y la abstracción geométrica.

Corina Höher (Caracas, 1987) investiga el color como fenómeno científico a través de una intensa repetición de disposiciones geométricas. Con estudios de diseño gráfico en Caracas y una licenciatura en Artes Visuales de la Universidad de Miami Internacional de Arte y Diseño, Corina Höher comenzó con su investigación personal del color, la luz y la energía en Toronto, donde a finales de 2009 comenzó a trabajar en una prominente empresa de impresión donde conoce el proceso de la serigrafía y la imprenta, así como el aparear colores y sus respectivas aplicaciones. Explora el movimiento del color como radiación electromagnética, y sus piezas de visualización-activa destacan la interrelación entre colores y formas en frecuencias precisas, generando así el movimiento necesario para crear una serie de ondas y transmitir la relación entre el color y su respectiva intensidad, es decir el color como energía.

Cerquone Projects

Paul Amundarain (Caracas, 1985) estudió arquitectura en la Universidad Central de Venezuela. Su trabajo habla sobre su realidad social y su ciudad como una entidad viviente que sufre mutaciones constantes. Consciente de la degeneración socio-cultural de Caracas y su relación con el tiempo, Amundarain estudia cuidadosamente la violencia y la agresión en una sociedad separada por un innegable abismo que radicalmente diferencia los ciudadanos, aunque sean forzados a habitar el mismo espacio físico de un lugar que parece que está gritando desesperadamente.

Por su parte, el artista español Grip Face (Palma de Mallorca) comenzó a dibujar cuando era niño. Atraído por los graffiti, los letreros de las calles y la arquitectura de su vecindario, Grip Face pronto experimentó con diferentes formas de arte. Su propuesta está caracaterizada por la observación aguda, la energía inspirada en la calle y el lenguaje visual reflexivo. Su obra se adapta a diferentes medios, desde proyectos en interiores, como trabajos en papel, libros o instalaciones de galerías, hasta intervenciones en exteriores, incluyendo murales a gran escala, meditando en nuestro día a día con una atractiva combinación de color, abstracción y formas claramente reconocibles. Los cómics, la introspección personal y el paisaje urbano juegan un papel importante, mientras que las caras, el cabello y las manos son motivos recurrentes. Sus creaciones son “un reflejo de lo que veo a mi alrededor”, según sus propias palabras.

Las propuestas de estos cuatro artistas se estarán exhibiendo por Cerquone Projects en la 13º edición de la feria de arte PINTA MIAMI 2019, que se celebrará del 4 al 8 de diciembre de 2019 en el espacio Mana Wynwood, localizado en el “Miami Art District”, 2217 NW 5TH AVE., Miami, Florida, USA.

Pinta Miami 2019

Con dos sedes –una en Caracas y otra en Madrid– Cerquone Projects desarrolla en sus espacios una variada programación artística orientada a apoyar y promover proyectos de creación contemporánea, que abarca exposiciones colectivas e individuales, actividades artísticas de diferente índole (talleres, festivales, coloquios, encuentros, etc.). Asimismo, ha participado en diversas ferias internacionales de arte, entre las cuales figuran Hybrid y Urvanity Art (Madrid, España), Volta (Basilea, Suiza) y Pinta Miami (Miami, Estados Unidos).

Web: www.cerquone.com

Facebook: CerquoneProjects

Instagram: @cerquoneprojects 

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Arte

El artista venezolano Cipriano Martínez exhibe en vitrinas de Madrid

“Dislocaciones” se estará presentando hasta marzo de 2020

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Cipriano Martínez

Una selección de trabajos textiles y pinturas, del artista venezolano Cipriano Martínez, conforman la exhibición “Dislocaciones”, que presenta actualmente la Fundación ArtesanoGroup en las vitrinas de Lab Lamarca, en la ciudad de Madrid, España.

Cipriano Martínez

Se trata de un proyecto que consiste en la elaboración de cinco tapices basados en cinco pinturas diferentes de una misma serie, elaborados con materiales de alta calidad, como son la lana de Nueva Zelanda, la seda china y la seda de bambú.

Es una propuesta que viene desarrollando Cipriano Martínez a partir de una investigación dentro de las técnicas tradicionales de la artesanía y su potencial ornamental, incorporándolas a su propio lenguaje artístico de vocación geométrica, según se desprende del texto del curador y crítico de arte, Adolfo Wilson.

“De esta experiencia surgen sus trabajos textiles, sus alfombras y tapices, cuyas composiciones rehuyen el formalismo decorativo y se plantean complejos problemas pictóricos, la deconstrucción de la organización espacial convencional y la renovación de los conceptos de patrón, armonía y ritmo visual tradicionales. La poderosa plasticidad y dimensión expresiva de estas obras, socavan nuestros prejuicios sobre las diferenciaciones técnicas y tienden un puente entre el llamado arte puro, el diseño utilitario y la tradición artesanal”, señala Wilson.

Cipriano Martínez

Residenciado actualmente en Londres, Cipriano Martínez posee una amplia trayectoria artística de más de dos décadas, durante la cual ha desarrollado su cuerpo de trabajo entre la pintura y la gráfica, para expresar su fascinación por la ciudad y el paisaje.

Con una sólida formación que abarca los títulos de Ingeniero Civil de la UCV y Licenciado en Artes del antiguo IUESAPAR, además de un Master in Art en el Chelsea College of Arts & Design de Londres (del que posteriormente se convirtió en investigador asociado), Cipriano Martínez ha participado en numerosas exposiciones colectivas e individuales en Venezuela, y otros países como Inglaterra, Estados Unidos y España; además, su obra se encuentra representada en Colecciones institucionales como la Colección Mercantil, la Colección Banesco, la Galería de Arte Nacional, el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas y la Mark Rothko Foundation en Latvia, así como en importantes colecciones privadas en Latinoamérica, Estados Unidos y Europa.

Su más reciente muestra, “Dislocaciones”, se estará presentando hasta marzo de 2020, en las vitrinas de Lab Lamarca, en la calle de Fernando VI, 10, Local 3, Madrid, España.

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Raúl Cardozo inaugura mural en El Hatillo inspirado en ‘La Última Cena’

Será inaugurado este sábado 23 de noviembre

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Raúl Cardozo

Un mural titulado “Una Cena Importante: Venezuela”, del artista venezolano Raúl Cardozo, será inaugurado el sábado 23 de noviembre de 2019 a las 5 pm en la entrada del anfiteatro El Hatillo, acompañado de una exposición de la misma obra en la Galería de Arte El Hatillo.

Con una dimensión de 8.8 x 4.6 metros, el mural está inspirado en la obra La última cena, de Leonardo Da Vinci, y en él están representados algunos referentes de la historia intelectual, científica, artística, deportiva y política de Venezuela.

La razón del título de la obra “Una Cena Importante: Venezuela”, según afirma Cardozo, es porque “cada momento que pienso en nuestra historia, comprendo que somos el resultado de cuantiosos acontecimientos y decisiones, pero también de personas que merecen que le rindamos honores por lo que hicieron, lo que lograron, pero sobre todo por la impronta que dejaron en todos venezolanos, una cena sería la ocasión propicia para homenajearlos”.

Raúl Cardozo

Asimismo, el artista comenta que cuando diseñaba esta obra, pensaba en qué tal habría sido si hubiese tenido la oportunidad de invitarlos a todos ellos a cenar, tenerlos cerca y poder escuchar lo que dirían, cada anécdota interesante, pero más aún, todo lo que planificarían para seguir construyendo país. “Sé que no es posible, pero saber que son parte de nuestra historia me hace sentir honrado, así que, por ahora, eso me basta para juntarlos en esta pintura”, añade.

Raúl Cardozo (Caracas, Venezuela, 1986) es Diseñador Industrial de la academia “Instituto Diseño Caracas”, en donde imparte actualmente la cátedra de “Diseño Industrial”. Su interés por el arte comenzó desde niño en el taller de herrería de su padre; a los 10 años recibe su primer premio de arte de la mano de Sofía Imber, y poco tiempo después comienza su formación en escultura bajo la tutela de Mildred Veitia. Incursionó en el campo del conocimiento artístico con estudios en dibujo, pintura, ilustración, serigrafía y fotografía, destacando su Master en Modelado de la figura humana (Praesagium Taller de Escultura), Artes Plásticas (Universidad Experimental de las Artes UNEARTE), así como talleres de Dibujo en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, Serigrafía como herramienta artística (Museo de Estampa y Diseño Carlos Cruz Diez) y Fotografía en la reconocida academia Roberto Mata, entre otros procesos formativos que continúan en progreso. Actualmente sus obras se encuentran en exhibición en Cardozo Studio y la Feria Internacional de Arte (Pinta Miami, ArtBasel).

“Una Cena Importante: Venezuela”, primer mural de Raúl Cardozo, será inaugurado el sábado 23 de noviembre de 2019 a las 5:00 p.m., acompañado de una exposición de la misma obra en la Galería de Arte El Hatillo.

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