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Se exhibe muestra sobre Rolando Peña en Pinta Miami 2018

La cita es en el espacio Mana Wynwood

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Rolando Peña

Como parte de las actividades culturales de la 12º edición de la feria Pinta Miami, que se realizará del 5 al 9 de diciembre de 2018, la galería de proyectos “The Inclusive Way” presentará “Foundation for the Totality. Rolando Peña, New York, 1966-1979”, una exhibición que rememora las contribuciones de los artistas latinoamericanos en el contexto de la escena del arte y de la cultura underground en la ciudad de Nueva York durante la década del sesenta y setenta.

Rolando Peña

Foundation for the Totality (Fundación para la Totalidad), fue un movimiento concebido y liderado por el artista venezolano Rolando Peña (Venezuela, 1942) también llamado “El Príncipe Negro”, junto con otros creadores como Juan Downey (Chile, 1940), Manuel Vicente Peña, conocido como Manuel Quinto (Colombia, 1949), Waldo Balart (Cuba, 1931) y Jaime Barrios (Chile, 1945). Sus acciones se cruzan con otros creadores como José Rodríguez Soltero (Puerto Rico), Marcelo Montealegre (Chile) y Nicanor Parra (Chile), entre otros.

Los happenings, publicaciones y acciones de arte de guerrilla que emprenden estos creadores desde “La fundación de la totalidad” confluyen con algunas producciones de Andy Warhol (EEUU), The Factory, y con la publicación underground East Village Other (EVO), a cargo del editor Walter Bowart durante la década del sesenta en Nueva York.

 

La muestra ofrecerá un recorrido documental, testimonial y de obras correspondientes al período que aborda la exploración curatorial (1966-1979) realizada por Andreina Fuentes-Angarita.

Rolando Peña

La exhibición sobre la obra de Rolando Peña estará abierta del 5 al 9 de diciembre de 2018, durante la Feria Iberoamericana Pinta Miami, que recibe más de 50 mil visitantes. Se presentará dentro del espacio de Crossing Cultures / The Inclusive Way, Booth D-2.

Pinta Miami se realizará en el espacio Mana Wynwood, 318 NW 23rd St, Miami, FL 33127, dentro del Miami Art District, durante el siguiente horario:

  • Miércoles 5 de diciembre, de 5:00 p.m. a 9:00 p.m.
  • Jueves 6 a sábado 8 de diciembre, de 11:00 a.m. a 8:00 p.m.
  • Domingo 9 de diciembre, de 11:00 a.m. a 7:00 p.m.

Acerca de The Inclusive Way

The Inclusive Way es un emprendimiento creativo conformado para investigar, registrar y promover las diversas manifestaciones vinculadas al arte de acción. En palabras de sus fundadores: “Tomamos muy en serio el esfuerzo que implica trabajar desde el cuerpo. Nos interesa la acción, el desplazamiento, la colisión, la diversidad y la idea de incorporar experiencias que construyen horizontes inexplorados. Nuestras sedes son móviles, flexibles, virtuales. Trabajamos en la nube, en los espacios públicos, en los espacios compartidos y colaborativos”.

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Arte

El Museo de Bellas Artes de Montreal rinde homenaje a Thierry Mugler

La exposición abrió sus puertas el 2 de marzo

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Thierry Mugler

Febrero fue un mes de sorpresas para el mundo de la moda, y es por eso que el Museo de Bellas Artes de Montreal no podía quedarse atrás y decidió anunciar la magnífica retrospectiva del diseñador francés Thierry Mugler; una oda espectacular a quien supo entender y plasmar las curvas de una verdadera femme fatale.

Este evento, plasmado como un gran espectáculo, busca revelar su desarrollo en todas las áreas que ha logrado dominar; su trabajo fotográfico, sus habilidades como director, y, su dominio de la industria perfumista, todo esto en una fabulosa extensión de 130 piezas de ready-to-wear y alta costura, las cuales también se encuentran combinadas con bocetos, fotografías y vídeos generados durante más de 35 años de carrera artística.

Un homenaje denominado “Thierry Mugler: Couturissime”, el cual desea revivir cada uno de los hitos de la moda que alcanzó el diseñador que acentuó el brillo y la teatralidad en las pasarelas parisinas de los años ochenta. Además, Mugler tomó las riendas del empoderamiento femenino y creó un auge magnífico en torno a las hombreras, las cuales buscaban generar una imagen de mujer dominante y poderosa frente a una época que apostaba al cambio de la estética femenina.

Los diseños de Mugler dieron inicio a un período en el que la moda era un espectáculo que convocaba masas a todo nivel, mezclado con el auge de las top models. Y es que no podemos esperar menos de un hombre que tomaba elementos tan irreverentes como inspiración para crear cada una de sus colecciones, como por ejemplo: cómics, ciencia ficción y hasta la zoología.

Con un legado tan impresionante, es difícil entender cómo este grandioso ícono de la moda se había negado numerosas veces a exhibir sus magníficas creaciones. Sin embargo, la propuesta que le hizo el Museo de Bellas Artes de Montreal ha sido la primera en dar en el blanco exacto. Ha sido elegida la gran ciudad canadiense como la responsable del homenaje a su trabajo, que además describió como una “tragedia glamorosa” durante la apertura que se hizo ante la prensa.

Muchos se preguntarán la razón por la que realmente Thierry Mugler decidió aceptar la propuesta del Museo de Bellas Artes de Montreal, y es que la señorita Nathalie Bondil, directora del mismo, le propuso al diseñador separar la exposición en diferentes actos, como si de una ópera se tratara, y, además, escenificar cada uno de ellos con piezas de indumentaria, proyecciones animadas y música para generar un ambiente sumamente integral y pensado.

La exposición abrió sus puertas el 2 de marzo para deleitar a todo el público interesado en la moda. Serán seis meses en los que la divina creación del genio francés Thierry Mugler abrazará la gran ciudad de Montreal para mostrarnos realmente por qué lo hemos catalogado como una leyenda de la industria.

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Toña Vegas expone en Imago Art in Action

La muestra será inaugurada el viernes 8 de marzo

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Toña Vegas

La obra reciente de la artista venezolana Toña Vegas será exhibida en la ciudad de Miami, en una exposición individual titulada “Energy Matters”, que será inaugurada el viernes 8 de marzo de 2019 a las 7:30 p.m., en la galería del centro cultural Imago Art in Action, con la curaduría de Katherine Chacón y la museografía de Pietro Da Prano.

Toña Vegas

Artista multidisciplinaria que se expresa a través de medios como fotografía, collage, acuarela, pintura y medios digitales, así como obras tridimensionales a gran escala, Toña Vegas presenta en esta ocasión un conjunto de series en las que a partir de la contemplación de la naturaleza realizada a lo largo de su experiencia existencial, plasma la esencia de ese soplo de vida cósmica que es la energía, mediante el registro de sus huellas gráficas o de la “pictorialización” de sus ondas y efluvios, según se desprende del texto de la curadora e investigadora de arte, Katherine Chacón.

La muestra “Energy Matters” se presenta “como una lección sensible que nos asoma al gran misterio de lo que somos: partes de una naturaleza que nos contiene, de un cosmos que nos habita y de una energía que se transforma y continúa hacia la infinitud espacio-temporal”, afirma Chacón.

En las obras de las series Shizen y Scripture, Vegas transcribe en surcos perforados en papel pintado de negro, las superficies rocosas, las cortezas vegetales, los follajes o las nubes “develadas” al someter a alto contraste fotografías de estos elementos; mientras que en la serie Traces, muestra las siluetas “en positivo” de sus contornos.

Energy Matters

La serie Energy Matters, por su parte, “comprende pinturas ejecutadas usando los dedos como medios que permiten a la artista materializar pictóricamente su propia energía. En el proceso, guiado por la sensorialidad y la intuición, esta aparece simultáneamente como estructura y vibración, en capas que se superponen y entretejen, creando un espacio complejo y profundo. Estas piezas constituyen también huellas, vestigios de una energía que se transforma en trazos y manchas, en un caudal continuamente sugerente en el que aparecen, a un tiempo, la piel de un animal, hojas movidas por la brisa, la pared de una antigua gruta, o una emoción que abrasa”, escribe la curadora.

Toña Vegas

Toña Vegas posee una amplia trayectoria artística durante la cual ha exhibido su obra en salas, galerías y museos de Venezuela, tales como el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, Museo de Bellas Artes, Museo Carlos Cruz Diez, Universidad de Los Andes en Mérida, entre otros espacios, así como en  galerías y eventos internacionales, como Pan American Art Projects en Miami, The Clemente Center en NYC, ADD Gallery Contemporary Latin American Art y Pocket Book Factory, en Hudson, NY (USA); en Espace Meyer Zafra en París y Strassbourg Art Fair, en Francia. Su trabajo ha sido publicado en catálogos (Hilos y cimientos, Agua, Formas del tiempo, Universo de Silencio, Inventory /takes), revistas de arte (Hudson River Art, Hudson, NY, Contrabando, Caracas). Revistas digitales (Viceversa, NYC, Analítica.com, Caracas) y periódicos (El Universal, El Mundo, El Nacional, Caracas, Register Star, Hudson, NY). Asimsimo, fue seleccionada como artista residente del Bakehouse Art Complex en Miami para 2017-2018.

Su más reciente propuesta podrá ser apreciada en la muestra “Energy Matters”, que se estará presentando del 8 de marzo al 3 de mayo de 2019 en la sede de Imago Art in Action, ubicada en 165 Majorca Avenue, Coral Gables, Florida, Estados Unidos; en horario de lunes a viernes de 10:30 a.m. a 5:00 p.m., y sábados de 11:30 a.m. a 2:00 p.m. La entrada es libre.

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Sheroanawe Hakihiiwe resultó ganador del XII Premio illy SustainArt

Nos acerca al entorno e imaginario de la etnia yanomami

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Sheroanawe Hakihiiwe

El artista venezolano Sheroanawe Hakihiiwe resultó ganador del XII Premio illy SustainArt en Feria ARCO #ARCO2019, en Madrid. El jurado conformado por Manuela Moscoso, curadora de la Bienal de Liverpool, y Lucía Sanromán -curator at Large Yerba Buena Center for the Arts, en San Francisco y directora artística de illycaffè- otorgaron este  reconocimiento al trabajo de Sheroanawe, artista que desde su obra nos acerca al entorno e imaginario de la etnia yanomami en el Alto Orinoco venezolano.

Sheroanawe Hakihiiwe

Sheroanawe Hakihiiwe [Platanal, 1971], es un artista indígena residenciado en Pori Pori, comunidad yanomami, quien desde la década de los noventa ha venido desarrollando un trabajo orientado al rescate de la memoria oral de su pueblo, de su cosmogonía y tradiciones ancestrales.

Su experiencia en el campo de la creación se inicia en 1992 cuando aprende a elaborar papel artesanal con fibras nativas como el Shiki o la Abaca, bajo la tutela de la artista mexicana Laura Anderson Barbata.

Sheroanawe Hakihiiwe

Desde entonces ha participado como artista residente en prestigiosas instituciones académicas dentro y fuera del país, así como en diversos talleres, exposiciones y festivales que le han valido importantes distinciones y reconocimientos.

La galería ABRA lo llevó a  la 38ª edición Feria Internacional de Arte Contemporáneo ARCOmadrid,  junto a Valerie Brathwaite, evento artístico que reúne importantes galerías y propuestas artísticas contemporáneas en la que conviven por 7 días 203 galerías de 31 países. Ambos participaron en la sección Diálogos, curado por Agustín Pérez Rubio (co-comisario de la Bienal de Berlín) y Catalina Lozano (curadora asociada del Museo Jumex e investigadora independiente).

Sheroanawe Hakihiiwe

Dentro del trabajo del artista Sheroanawe Hakihiiwe que se muestra en ARCO se encuentra: Kamie ya uriji pi jami Parawa ujame theperekui uriji terimi thepe komi kua (Donde yo vivo en mi selva y en el río Orinoco también viven todos estos animales), el cual constituye un compendio visual de la fauna que habita en la cuenca del Alto Orinoco, en el Amazonas venezolano. Se trata de un políptico de 63 dibujos realizados con pintura acrílica sobre papel de bagazo de caña que recoge una síntesis de los atributos más característicos de cada animal, distribuidos en el formato de manera reiterada.

Además, se exhibirá una selección de Huwe moshi, una serie de dibujos basados en el patrón de la serpiente coral venenosa. Tal como narran los relatos mitológicos del pueblo yanomami, el personaje se transforma y cambia -indistintamente de su característica animal- a la humana y viceversa. En la serie, Sheroanawe destaca la capacidad de ese poder transformador al elaborar sencillos patrones en blanco, rojo y negro que caprichosamente transmutan en elementos geométricos, radiales o expansivos como si de una visión onírica se tratara.

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