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Arte

Da Vinci, una genialidad del arte, la anatomía y la arquitectura

Fue parte clave del renacimiento y de la era moderna

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Leonardo Da Vinci

Al pensar en Leonardo Da Vinci, lo primero que pensamos es en su pintura “La Gioconda” o “La Mona Lisa”, pero este gran artista no se limitó solo al arte, fue arquitecto, inventor, tecnólogo, escultor, pintor, músico, ingeniero, anatomista, botánico, científico, filósofo, poeta y urbanista. Considerado por muchos como una genialidad polifacética, la más famosa de su tiempo y, probablemente, de todos los tiempos.

Solo vivió 67 años pero fue una de las personas que más aprovechó su tiempo de vida sobre la tierra. Sus aportes a la humanidad fueron numerosos e importantes. Aquí los 5 aportes más resaltantes de Leonardo Da Vinci para la humanidad.

La Mona Lisa: está en el primer lugar de la lista por ser conocido como “El cuadro mas famoso del mundo”, rodeado de enigmas y datos curiosos, esta pintura de Lisa Gherardini, ha sido objeto de copias, robos, ha sobrevivido dos guerras mundiales y ha recorrido gran parte del mundo con su fama. Actualmente está expuesta en el Museo del Louvre de París, siendo la joya de sus colecciones.

La fama de esta pintura no se basa únicamente en la técnica empleada o en su belleza, sino también en los misterios que la rodean. Además, el robo que sufrió en 1911, las reproducciones realizadas, las múltiples obras de arte que se han inspirado en el cuadro y las parodias existentes contribuyen a convertir a La Gioconda en el cuadro más famoso del mundo, visitado por millones de personas anualmente. También se debe probablemente a las múltiples referencias literarias y a las diversas hipótesis sobre la identidad de la protagonista.

Es un óleo sobre tabla de álamo de 77 × 53 cm, pintado entre 1503 y 1519,​ y retocado varias veces por el autor. Se considera el ejemplo más logrado de sfumato, técnica muy característica de Leonardo. Si bien actualmente su colorido original es menos perceptible por el oscurecimiento de los barnices, el cuadro está protegido por múltiples sistemas de seguridad y ambientado a temperatura estable para su preservación óptima.

La última cena: También conocida como Santa Cena, su realización se remonta a los años 1495 y 1498. Se encuentra en la pared sobre la que se pintó originariamente, en el refectorio del convento dominico de Santa Maria delle Grazie, en Milán. La gran fama de esta obra ha despertado el interés de muchos investigadores, y también de algunos novelistas que buscan resolver los supuestos misterios y enigmas que la rodean.

Las múltiples obras de arte que se han inspirado en el cuadro y las parodias existentes contribuyen a convertir a “La última cena” en una de las obras más magníficas en la Historia del Arte. Declarada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1980, la pintura fue elaborada para el duque Ludovico Sforza de Milán. No es un fresco tradicional, sino un mural ejecutado al temple y óleo sobre dos capas de preparación de yeso extendidas sobre enlucido. Mide 460 cm de alto por 880 cm de ancho. Muchos expertos e historiadores del arte consideran “La última cena” como una de las mejores obras pictóricas del mundo.

Bicicleta: Aparte de ser artista, Da Vinci era también un reconocido inventor e ingeniero, a él se atribuyen los primeros bocetos de las conocidas bicicletas actuales. Aunque sus máquinas no fueron un éxito automático, sirvieron para ser estudiadas y realizadas a cabalidad en el futuro. Existe la creencia que las primeras noticias que se tienen sobre una bicicleta datan, aproximadamente, del año 1490 en la obra Codex Atlanticus, de Leonardo da Vinci.

Hombre de Vitruvio y anatomía: Leonardo tenía una pasión intensa por el estudio del cuerpo humano. Para la época en la que vivió esto era considerado algo irregular y raro, pero para él, el cuerpo humano era fascinante. Dedicó gran parte de su vida al estudio de las proporciones, medidas, procesos anatómicos y biológicos del ser humano, realizando un gran número de dibujos y bocetos de diferentes partes del cuerpo, que posteriormente servirían como referencia para millones de científicos que refinarían el arte que Da Vinci inició con sus estudios.

El Hombre de Vitruvio es el “Estudio de las proporciones ideales del cuerpo humano”. Es un famoso dibujo acompañado de notas anatómicas de Leonardo da Vinci, realizado alrededor del año 1490 en uno de sus diarios; forma parte importante de sus estudios de anatomía. Perteneció a la colección del escritor y pintor Giuseppe Bossi hasta que, tras su muerte acaecida en 1815, su colección fue comprada en una subasta por Luigi Celotti y posteriormente adquirida por la Galería de la Academia de Venecia, donde se conserva desde 1822, aunque se exhibe al público de forma muy esporádica por motivos de conservación. Por esta razón no es parte de la exposición habitual del museo.

El re descubrimiento de las proporciones matemáticas del cuerpo humano en el siglo XV por Leonardo y otros autores, está considerado como uno de los grandes logros del Renacimiento. El dibujo también es considerado a menudo como un símbolo de la simetría básica del cuerpo humano y, por extensión, del universo en su conjunto.

Hacia el final de su vida trabajó junto al profesor de anatomía de la Universidad de Pavía, Marcantonio della Torre. Gracias a él tuvo fácil acceso a cadáveres humanos y los estudios, dibujos y descripciones, constituyen el punto culminante de su obra anatómica. Leonardo prácticamente tenía su tratado terminado cuando murió della Torre y comenzó un período de agitación política en Milán, por lo que el artista se vio obligado a huir de la ciudad. Después, en Roma, trató de continuar sus estudios en el Hospital del Santo Spirito pero fue acusado de realizar prácticas indecorosas y abandonó definitivamente sus investigaciones anatómicas. El artista legó sus láminas, cuadernos y escritos a su ayudante Francesco Melzi. Años después el escultor Pompeo Leoni adquirió dichos documentos y los encuadernó en varios álbumes.

Máquinas aéreas: entre sus máquinas para elevar al hombre en los cielos, destacan la “Hélice perfecta” y el “Ornitóptero”. Un ornitóptero es un aerodino que obtiene el empuje necesario del movimiento batiente de sus alas de forma análoga a como lo hacen las aves. A pesar de que éste en realidad no logró hacer al hombre volar, fue determinante para la creación de otros objetos que sí lo lograron, como, por ejemplo, el primer avión.

Por su parte, la hélice fue determinante para la creación de los actuales helicópteros. Hacia el año 1490, el helicóptero de Leonardo da Vinci al que llamó “Tornillo Aéreo”, fue representado en uno de sus cuadernos. ¿Por qué le puso ese nombre? Porque Leonardo entendió correctamente que el aire tenía consistencia, y postulaba que el rotor de su máquina, al girar, se enroscaría en él igual que un berbiquí o un tornillo penetran en la madera.

Para elevar el peso de esa estructura no hubiese bastado con la fuerza de cuatro hombres, hubiese sido necesario un potente motor moderno.

Leonardo tampoco tuvo en cuenta que en el momento de levantarse del suelo, el disco fijo de la base comenzaría a girar en sentido contrario al del rotor. Su helicóptero hubiese necesitado un rotor de cola, como el que llevan los helicópteros modernos, para evitar la rotación de la base.

Es importante saber que sus inventos y descubrimientos no se limitaron a estos cinco mencionados; a Leonardo Da Vinci se le atribuyen muchos otros logros como la participación en varios inventos que hoy en día son vitales para el acontecer diario del ser humano. También tiene un gran número de obras de arte expuestas en varias partes del mundo.

Da Vinci fue parte clave del renacimiento y de la era moderna. A Leonardo le debemos mucho más que su aporte por la creación del cuadro más famoso del mundo.

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Arte

Bistros y cafés con peculiares diseños minimalistas

Populares por sus expresiones directas, ligeras y elegantes

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Bistro

Un Bistro o un Café se puede convertir en el favorito de una persona porque tiene un excelente menú, un ambiente ideal, un diseño peculiar, o por reunir todos los requisitos anteriormente mencionados. Los siguientes lugares cumplen con ellos. Son principalmente destacados y populares por sus peculiares diseños minimalistas: expresiones directas, ligeras y elegantes.

Café Ki

El Café Ki se encuentra en Tokyo, Japón. Su diseño es el significado exacto de pulcra sencillez, y es un espacio que inspira muchísima tranquilidad. En español, “Ki” significa árbol, y la simulación de estos en acero negro son el apoyo estructural y el atractivo visual principal en las mesas y sillas del espacio, que, además, funcionan como percheros.

En su “menos es más” se aprecian detalles aún más sutiles, como en los acabados del lugar y en sus platos en forma de hoja transparente. Su interior fue ideado por el Estudio de Diseño Id, así como también el diseño gráfico y web. Incluso el estilo de uniforme de los empleados del lugar fue tomando en consideración. Es una atmósfera pacífica, incluso con cierto aire de elegancia y privacidad. Ideal para deleitarse con un café calentito, acompañado de dulces y pasteles.

Logomo Café

Logomo Café está en la ciudad de Turku, Finlandia. Su decoración de líneas duales entrelaza el suelo, el techo, las paredes y los objetos en el mismo plano apreciativo. Es como introducirse a los planos de una estructura, pero que todo depende de la percepción visual que tenga el observador.

Es un espacio que rompe con la rutina y lo común. Donde se puede disfrutar de ensaladas, cafés o pasteles, mientras te distraes con la belleza del lugar. Fue creado por el artista alemán Tobias Rehberger y la firma mobiliaria Artek, que buscaban hacer un ambiente psicodélico con movimientos artísticos.

Proti Proudu

Proti Proudu Bistro queda en Kerlín, Praga. La idea era “conectar a través de un buen café”. A los amigos, a la familia. No sólo una conexión entre los visitantes y sus acompañantes, sino también de las mismas personas con Proti Proudu Bistro. Por ello la decoración juega con la exposición del sistema eléctrico. En un vaivén de chispas, cuando entra alguien una luz se enciende y, cuando se marcha, otra luz de apaga. Es un ambiente ligero abierto para desayunos, almuerzos, cenas y postres. Un bistro para reencuentros, buenos inicios e infinitos momentos.

The Antisocial

The Antisocial es un bar ubicado en el Reino Unido. El concepto del bar se basa en parecer un boceto, lo que llama mucho la atención de turistas y diseñadores. En un aspecto muy creativo, introduce a sus visitantes en una pizarra acrílica con dibujos tridimensionales que resultan ser las paredes, las mesas, los muebles, el piso y las ventanas. A pesar de ser un espacio enorme y peculiar, suele ser un sitio bastante tranquilo, sin exceso de personas, donde se puede disfrutar del menú británico y sus bebidas.

Orang + Utan

Orang + Utan está situado en Kiev, Ucrania. Según los arquitectos y diseñadores, el concepto se basa en que las calles son una nueva jungla y que los animales inteligentes que viven en ella necesitan un lugar en donde recargar energía. Su menú es vegano, ofrecen varios tipos de ensaladas, sandwiches y smoothies. Atinó en todos los aspectos con su impresión cuadrícular, su espacio despojado de elementos innecesarios y los toques de color posicionados en áreas estratégicas, para dar la sensación de una nueva jungla civilizada.

Siempre hay un lugar favorito para pasar los fines de semana con los amigos, un espacio perfecto para disfrutar de un postre con la pareja, un sitio ideal para disfrutar del ambiente. En la actualidad, las cafeterías y los bistros se han vuelto los preferidos para pasar un rato agradable, charlar y compartir con las personas que deseas hacerlo.

Comenta: ¿cuál ha sido tu favorito entre los mencionados?

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El Movimiento Vogue: Raíces e Influencias.

Un estilo de expresión que ha flotado desde lo mas underground

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Vogue

Las raíces del Vogue están en la Cultura Ballroom, en la resistencia de los entonces marginados grupos minoristas integrados por latinos, negros, homosexuales y transgéneros. Es un estilo de expresión que ha flotado desde lo más undergrounddesde los espacios clandestinos, a las altas expresivas plataformas actuales que han vuelto más visible la libertad de expresión y auto-identificación que es el Vogue.

En los años 60’s, personas rechazadas por sus propias familias, debido a sus preferencias sexuales o por su identidad de género, que en aquella época resultaban una blasfemia a lo tradicional y no eran tolerados en la sociedad, empezaron a unirse como familias alternativas que emergían como “Casas“. Las Casas suelen nombrarse en honor al glamour y fama de grandes casas de moda, las cuales sus miembros utilizan como apellidos.

Estas familias alternativas estaban integradas por una “Madre“, comúnmente mujeres transgéneros orgullosas y cómodas consigo mismas; y, los “Hijos“, personas menospreciadas por su raza, preferencias o identidad sexual, que hallaban un lugar donde podían sentirse en la completa libertad de ser ellos mismos sin sentirse asfixiados por la segregación y la homofobia de la sociedad. Las Casas solían competir, guíados por sus Madres, por los trofeos en las fiestas danceballs. Se hacían presentaciones en donde debían cumplirse las realidades de las categorías específicas en las que competían, hoy día denominadas como Performances.

Dentro de estos balls, se formó lo que es el Vogue.

El nacimiento del Vogue surge de la influencia de los jeroglíficos del Antiguo Egipto y de la “Revista Vogue”, porque evocan elegancia, belleza y femineidad a través de sus modelos, temas y diseños.

Estéticamente, el voguing se caracteriza por sus poses, movimientos rectilíneos y su gracia. De por si es bautizada así en honor a la famosa revista. Sin embargo, su expresión artística más profunda se basa en una confrontación donde los contrincantes se lanzan sombra, —podemos decir que, era una expresión en contra del rechazo y subestimación de la sociedad hacia su comunidad, para demostrar que sí podían ser y hacer lo que deseaban—. Esto surgió en protesta cuando se prohibió disfrazarse con ropas del sexo opuesto. Para estas personas los bailes eran lo más cercano que estarían de los focos y el estrellato. En la actualidad, sigue siendo una respuesta social y cultural de protesta artística.

Hay diversos estilos de voguing: el Old Way, el New Way, el Runway y el Femme. El Old Way, es un duelo entre dos personas e implica simetría, precisión y gracia. El New Way se caracteriza por su flexibilidad y el control de transiciones. El Runway, como lo delata su nombre, es una competición de pasarela. Y el Femme, está influenciado por la fluidez del ballet y la danza moderna.

El reconocimiento del Vogue empieza fielmente a través del Documental “Paris is Burning”, dirigida por Jennie Livingston, donde se exploró la Cultura Ballroom, su gente, sus situaciones y el voguing como su movimiento expresivo. El verdadero impulso internacional fue causado por el sencillo de Madonna en 1990, que se convirtió en el número uno en 30 países. A partir de allí, se visualizo muchísimo su consumo e influencia en la música, la danza, el arte, la moda y la belleza. Atención, esto no quiere decir necesariamente que la gente esté culturizada al respecto.

Se ve el voguing en vídeos de Jennifer Lopez, Rihanna, Beyonce, Sam Smith e incluso en las coreografías de las bandas coreanas que últimamente son extremadamente populares, y esto no significa que se comprenda la raíz del movimiento. Incluso con los nuevos estilos, el Vogue continúa siendo una herramienta pacífica en pro al movimiento de la transformación social, a la libertad sexual y a la aceptación. Claros ejemplos, son el homenaje que se realizó en Londres a las víctimas del ataque al club nocturno “Pulse” de Orlando, y la manifestación contra el acoso sexual en una universidad de México, por parte de una chica que “bailo por todas las que ya no estaban, y las que sufrieron”. De este tipo de realidades se basa el movimiento más puro del Vogue.

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Arte

Maquillaje 3D: el arte de la pintura del rostro y la ilusión fotográfica

Conoce la nueva tendencia de maquillaje

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Maquillaje 3D

El maquillaje 3D es esa tendencia surrealista y fabulosa que inunda cada vez más las redes sociales, y que juega con los límites de la percepción visual en la fotografía y el maquillaje por igual.

Cada vez más artistas plásticos, fotógrafos, influencers y demás se interesan por esta tendencia de maquillaje que roza sus límites con una propuesta más artística de creación. Recientemente, el joven actor de Hollywood, Ezra Miller, sorprendió a todos en el MET Gala 2019, no tanto con su atuendo como con su impactante maquillaje 3D que fue realizado por la maquilladora canadiense Mimi Choi, quien creó un efecto visual tridimensional con una serie de ojos alrededor de la frente y los pómulos del actor.

Pero el juego óptico con varios ojos es apenas uno de los miles de efectos y creaciones de esta artista del maquillaje. Mimi Choi ha realizado un extenso trabajo con el maquillaje 3D, desde talleres, campañas publicitarias y una estética de sus creaciones en constante evolución. Su nombre es una gran referencia en cuanto a maquillaje 3D se refiere, y hoy en día viaja constantemente exponiendo su obra y enseñando algunas de sus técnicas.

Otro de los trabajos fotográficos de maquillaje 3D más alucinantes es el de la joven artista coreana Dain Yoon, quien crea todo un performance a partir de los efectos visuales de su maquillaje. También ha experimentado fusionando la pintura de su rostro con paisajes en exteriores u objetos cotidianos. Recientemente, esto la llevó también a fusionar su arte con el de la escultura, y ya ha realizado sus propias exposiciones  acompañadas de fotografías, performances, esculturas y más.

De acuerdo con sus propuestas particulares, cada una de estas artistas realiza un gran trabajo que se desdobla en al menos tres niveles: el del maquillaje, con sus técnicas y productos particulares; el de la pintura corporal o bodypaint, que se relaciona más con la pintura como el arte tradicional que todos conocemos y, por otro lado, también realizan su propio trabajo fotográfico, tanto de autorretratos como de verdaderas composiciones fotográficas que toman en cuenta el fondo para aumentar el efecto visual del maquillaje 3D.

Estos, entre otros artistas del maquillaje, le han dado a éste un nuevo sentido y hacen trabajos auténticos trastocando los límites de la percepción visual, y las posibilidades del propio rostro humano como lienzo con miles de ideas súper originales.

Puedes seguir todo el trabajo de Dain Yoon y Mimi Choi a través de su Instagram o sus propios sitios web:

Mimi Choi

Instagram: @mimles

www.mimichoimakeup.com/creatives

Dain Yoon

Instagram: @designdain

Facebook: Dain Yoon

dainyoon.com

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